Barcelona. Gran Teatre del Liceu. 4 y 14-I-2023. Puccini: Tosca<\/em>. Maria Agresta\/Monica Zanetti, Michael Fabiano\/Vittorio Grigolo, Zeljko Lucic\/George Gagnidze, Felipe Bou, Jonathan Lemalu, Mois\u00e9s Mar\u00edn, Manel Esteve, Milan Perisic, Hugo Bol\u00edvar. Director musical: Henrik N\u00e1n\u00e1si\/Giacomo Sagripanti. Director esc\u00e9nica y vestuario: Rafael F. Villalobos.<\/p>\n <\/p>\n En Mil\u00e1n, febrero de 1889, Puccini asiste a la representaci\u00f3n teatral de La Tosca<\/em>. Obra de Victorien Sardou estrenada en Par\u00eds en 1887 y protagonizada por Sarah Bernhardt, popular actriz francesa de la \u00e9poca. El autor, Sardou, sit\u00faa la acci\u00f3n en la batalla de Marengo de 1800, entre Napole\u00f3n y las fuerzas austriacas en Piamonte en donde estas son expulsadas de Italia. Esta es una de las siete obras que dicho autor escribi\u00f3 sobre la Revoluci\u00f3n francesa, con entre otras, Robespierre<\/em> (1899) y Termidor<\/em> (1891).<\/p>\n Tras la representaci\u00f3n, Puccini queda muy impresionado del personaje de Floria Tosca y le indica a su editor que desea adaptarla como opera. Realiza el libreto oper\u00edstico Illicai Giacosa, reduci\u00e9ndo el original a tres actos y centrado en tres personajes: Tosca, Mario Cavaradossi y Scarpia. Se estrena el 14 de enero en el Teatro Costanzi de Roma con el t\u00edtulo Tosca<\/em>\u201d, y en el Liceo de Barcelona el 30 de marzo de 1902 por primera vez.<\/p>\n El argumento de la \u00f3pera centra m\u00e1s el drama en la pasi\u00f3n de los amantes, como es costumbre en este arte, pero mantiene el entorno del poder represivo, de lucha entre grupos con intereses de clase: partidarios de Napole\u00f3n frente a la intransigencia de los Estados Pontificios. Mario Cavaradossi; un liberal hijo de la Revoluci\u00f3n francesa, Scarpia; el brazo del poder absoluto (jefe de polic\u00eda de los E. Pontificios) que domina bajo el terror. Situaci\u00f3n que arrastrar\u00e1n durante m\u00e1s de un siglo de contiendas los pueblos de la pen\u00ednsula italiana hasta conseguir consensuar un Estado unitario. El s\u00edmbolo en la obra: el Castel Sant’Angelo como c\u00e1rcel.<\/p>\n No obstante, en este montaje que comentamos, su visi\u00f3n art\u00edstica social va m\u00e1s all\u00e1 de una ubicaci\u00f3n concreta, cuyo sentido es actual y universal.<\/p>\n Escenificaci\u00f3n rompedora<\/strong><\/p>\n Rafael Fern\u00e1ndez Villalobos (de 35 a\u00f1os) director y creador de esta original escenograf\u00eda; atrevida, arriesgada e ins\u00f3lita versi\u00f3n de Tosca. Ha tenido la osad\u00eda de realizar una \u00f3pera cl\u00e1sica, dirigida a un p\u00fablico muy poco acostumbrado a la innovaci\u00f3n, o sea, tambi\u00e9n cl\u00e1sico. Y sobre todo la valent\u00eda de a\u00f1adir la presencia f\u00edsica-simb\u00f3lica, durante el desarrollo de la acci\u00f3n, de un personaje que durante sus cincuenta y tres a\u00f1os de vida en el pasado siglo marc\u00f3 toda una revoluci\u00f3n; art\u00edstica, \u00e9tica y social de valores: P. P. Pasolini.<\/p>\n Villalobos ha cursado estudios y licenciaturas en diversas especialidades y artes: arquitectura, arte dram\u00e1tico y m\u00fasica en diferentes ciudades espa\u00f1olas y europeas. A los 22 a\u00f1os se inicia en el trabajo escenogr\u00e1fico y con 26 ya obtiene su primer premio en Direcci\u00f3n de \u00d3pera. Vive unos a\u00f1os becado en Roma donde tiene la oportunidad de profundizar en la cultura italiana y particularmente romana, hecho relacionado con la representaci\u00f3n que comentamos. Tras colaborar de ayudante con varios directores esc\u00e9nicos reconocidos, en los \u00faltimos ocho a\u00f1os ha dirigido diversas obras de teatro y \u00f3pera en ciudades europeas. Expongo este relato biogr\u00e1fico para mostrar que tiene conocimientos y experiencia para enfrentarse a una novedad creativa como la que tratamos.<\/p>\n La escenograf\u00eda es sencilla, operativa y din\u00e1mica. El mayor juego lo produce a trav\u00e9s de dos c\u00edrculos conc\u00e9ntricos que junto a la base giran en momentos determinados para cambios esc\u00e9nicos y posici\u00f3n de los personajes. Para el cambio de acto y lugar, solo tienen que intercambiar, en los medios giratorios, el attrezzo que requiere el nuevo escenario. Predomina el color blanco con un contraste en negro (ropa de la mayor\u00eda de protagonistas), y en momentos de efecto dram\u00e1tico, el final de dos actos, se oscurece el escenario y se ilumina con gran potencia blanca una inmensa puerta al fondo por donde desaparece el personaje.<\/p>\n Durante el desarrollo de las escenas desde el principio al final, no en todas, solo en momentos simb\u00f3licamente claves, aparece la presencia de un personaje que no habla, pero se mueve como uno m\u00e1s, ese personaje que se ha abrazado con el protagonista (Mario) y viste igual, o ese ni\u00f1o encima o debajo de la mesa en el sal\u00f3n del malvado Scarpia. Con el tiempo piensas que debe tener un sentido, y lo tiene: es Pasolini, unas veces de ni\u00f1o y otras de adulto. Nos indica que el poeta est\u00e1 sintiendo y viviendo esas situaciones, que es su mundo. Donde sinti\u00f3 y vivi\u00f3, contra el que lucho con todo su ser, capacidad intelectual y f\u00edsica. Es su ni\u00f1ez; su amada madre, su odio al padre fascista por el que a veces tambi\u00e9n siente ternura. La Rep\u00fablica de Sal\u00f3 que vivi\u00f3 en su juventud con los despose\u00eddos. Los Scarpias del terror al servicio de los poderosos que se multiplican en nuevas formas que destruyen seres y mentes en la posguerra. Esa carga de amor-odio-amor que nos ha legado su intelecto.<\/p>\n Entre el segundo y tercer acto hay una escena exterior al tel\u00f3n, ajena a la obra, pero complementaria sobre Pasolini, que no est\u00e1 bien resuelta. En estos cinco minutos el personaje del poeta pronuncia unas frases y a continuaci\u00f3n escenifica, ya sin dialogo, como surge un joven y entre ambos divagan: s\u00ed no, no s\u00ed, y salen de escena. Mientras esto ocurre un rotulo nos indica que estamos en Roma 1975, se supone que nos quieren indicar que fue la noche que lo mataron a golpes. No estoy en desacuerdo, si es eso lo que quieren expresar, pero s\u00ed estoy seguro que no lo consigue y art\u00edsticamente molesta m\u00e1s que ayuda.<\/p>\n Esta es la originalidad de este montaje. Traer la historia a nuestro tiempo y popularizar este arte, manteniendo la esencia y cambiando las formas.<\/p>\n Se ha comentado y publicado sobre lo que aconteci\u00f3 en su estreno, incluso antes de este. Ocurri\u00f3 que dos de los personajes principales, Tasca-soprano y Scarpia-bajo \u00f3 Mario-tenor (no s\u00e9 cual de ellos), estando contratados renunciaron a participar, se supone, por no estar de acuerdo en la forma de exponer la obra. En su estreno se dieron abucheos diversos, cuesti\u00f3n no novedosa en este teatro siempre que se alteran las formas cl\u00e1sicas de representaci\u00f3n esc\u00e9nica. Hoy solo hemos o\u00eddo alguno al final cuando ha salido a saludar un personaje, pero no por la obra. Esta versi\u00f3n se represent\u00f3 por primera vez en Bruselas en 2021 y dentro de unos meses se podr\u00e1 ver en Sevilla.<\/p>\n Conclusi\u00f3n, es una versi\u00f3n rompedora y bien realizada que nos dice m\u00e1s que otras versiones anteriores. Sobre todo, me parece un buen y oportuno homenaje a la figura de Pasolini en el centenario de su nacimiento. Porque morir, para algunos, nunca morir\u00e1.<\/p>\n <\/p>\n Torno a te, come torna Piero Paolo Pasolini, <\/p>\n 12\/01\/23<\/p>\n
\nun emigrato al suo paese e lo riscopre:
\nho fatto fortuna (nell\u2019intelletto)
\ne sono felice, proprio
\ncom\u2019ero un tempo, destituito di norma.
\nUna nera rabbia di poesia nel petto.
\nUna pazza vecchiaia di giovinetto.
\nUna volta la tua gioia era confusa
\ncon il terrore, \u00e8 vero, e ora
\nquasi con altra gioia,
\nlivida, arida: la mia passione delusa.
\nMi fai ora davvero paura,
\nperch\u00e9 mi sei davvero vicina,
\nnel mio stato di rabbia, di oscura
\nfame, di ansia quasi di nuova creatura.<\/p>\n
\n\u00abFrammento alla morte\u00bb, (La religione del mio tempo<\/em>, 1961)<\/p>\n